(7) コレッリ:合奏協奏曲 作品6(全12曲)

完成した形でこの世に生まれてきた楽器

弦を張って、それを弓で擦ることで音を出す楽器のことを「擦弦楽器」と言います。西洋クラシック音楽における「擦弦楽器」と言えば、それはほぼヴァイオリン属の楽器とイコールです。オーケストラの一番下の音域を受け持つコントラバスはヴァイオリン属ではなくヴィオール属なので、ほぼ唯一の例外といえるくらいです。
コントラバスというのは見た目はチェロをさらに大型化しただけのようなのですが、よく見てみると肩がなで肩で、さらには裏板が平らというヴィオール属の特徴を残しています。そして何よりも調弦の仕方が4度だと言うことが最大の違いです。
弦の数は一般的にヴァイオリン属と同じ4本のものが主流となってきているのですが(昔は5~6本だったようです)、第1弦=G線、第2弦=D線、第3弦=A線、第4弦=E線と呼ばれるように4度間隔で調弦されます。
言うまでもないことですが、ヴァイオリンやチェロなどのヴァイオリン属は一般的に、第1弦=E線、第2弦=A線、第3弦=D線、第4弦=G線となっていて、5度間隔で調弦されます。ですから、この2種類の楽器が室内楽などで一緒になるといささか響きに違和感が出てしまいます。シューベルトのピアノ五重奏曲「鱒」などはその数少ない例外ですが、やはりコントラバスが入ってくると「うまくないな・・・」という感が否めません。

そんなヴァイオリン属なのですが、ピアノとは違ってその出自が今ひとつはっきりしません。16世紀のある時、ある場所で、突然、今のヴァイオリンとほとんど変わらない姿で登場するのです。
現存する最も古いヴァイオリンは、アンドレア・アマティによって1565年頃作成されたと言われています。
メディチ家からフランス王室に嫁ぎ、絶大な権力をふるったことで知られるカトリーヌ・ド・メディシスからアンドレア・アマティ(アマティ家の初代)に対してヴァイオリン24挺、ヴィオラ6挺、チェロ8挺の注文があったことが記録に残っています。その大部分は散逸してしまったもののそのうちの数挺が現存していて、その中でも最も古いと思われるものがメトロポリタン美術館に収蔵されています。

現存する最古のヴァイオリン “King Charles IX of France”
Andrea_Amati_violin

生まれたばかりのピアノフォルテと現在のコンサートグラウンドを較べてみれば、鍵盤を押せば音が出ると言う構造くらいは共通ですが、それはもう全く別物と言っていいほどです。
しかし、ヴァイオリンの場合は生まれたときからすでに完成形でした。現在のヴァイオリンと較べてみてもその姿形や内部の構造も、そして何よりもその楽器が生み出す響きは何も変わっていないのです。いや、変わっていないどころか、この現存する最古のヴァイオリンを作成したアマティ一族の最後を飾ったニコロ・アマティ、その弟子であったストラディヴァリやガルネリ(通称デル・ジェス)が生み出したヴァイオリンを凌駕するものは未だに現れていないのです。

演奏法の基本も早い時期に確立

楽器そのものが早い時期に完成形に達していたと言うことは、演奏する側からすればその演奏法も早い時代に確立されたことを意味します。言葉をかえれば、楽器の進化によって新しい可能性が次々と登場してきたピアノのような厄介さから解放されていたのです。
ピアノの項で述べたように、モーツァルトはわずか5オクターブの音域でピアノ音楽をイメージしました。その事が、8オクターブ近い音域をフルに活用できたロマン派以降の人にとっては、モーツァルトのピアノ音楽は子ども向けの愛らしい音楽という誤解を生んでしまいました。

しかし、ヴァイオリンならば、17世紀に活躍したコレッリも、19世紀に活躍したパガニーニも、さらには20世紀のハイフェッツであっても、その使っているヴァイオリンに本質的な差はないのです。

イタリアのクレモナでストラディヴァリウスがヴァイオリンを製作していた時代に、コレッリはそのヴァイオリンを使って作曲し演奏も行っていました。
19世紀にヴァイオリン音楽に革命をもたらしたパガニーニはストラディヴァリウスと同じ時代にクレモナで活躍したガルネリのヴァイオリンを愛用していました。
そして、ハイフェッツは3大ストラディヴァリウスの1つと呼ばれている「ドルフィン」を愛用していました。
ちなみに、この「ドルフィン」は現在は日本財団が所有していて、諏訪内晶子に貸与されています。

ストラディヴァリウス “ドルフィン”

stradivarius_dolphin

このヴァイオリンの演奏法を確立しまとめたのがアルカンジェロ・コレッリでした。特に、作品番号5を与えられている「ヴァイオリン・ソナタ集(全12曲)」はヴァイオリンの教則本として長く使われ続けてきました。

しかし、コレッリの最大の功績は、この新しい楽器が独奏楽器として活躍できる能力を持っていることを創作と演奏の両面で実証してみせたことです。
実は、生まれたばかりのヴァイオリンは当時の人の耳には刺激的に響いたようです。当時の楽器の主流はリュートやヴィオラ・ダ・ガンバに代表されるヴィオール属であり、その響きは小さくても柔らかであり、繊細にして優雅でした。ですから、ヴァイオリン属は耳障りな楽器として舞踏音楽の伴奏を行うような一段低い楽器と見なされていたのです。

しかし、やがてヴァイオリンはヴィオール属の楽器では不可能な名人芸を披露する能力があることを証明する演奏家が現れてきます。
そして、その様な名人芸を披露するのに相応しい形式の音楽が作られ、それを実際の演奏によって証明してみせる音楽家が現れるのです。
それがコレッリだったのです。

独奏楽器としての地位を確立

コレッリは教則本的なレベルをこえて、さらに華やか演奏効果を持った音楽を作りたいと言うことで「合奏協奏曲」と呼ばれる形式を仕上げました。言うまでもなく、このような音楽形式は彼一人の力によって生み出されたものではなく、先行する試みがいくつもあったことは言うまでもありません。
コレッリの功績はその様な先行する試みを踏み台として、それを一つの完成形として仕上げた事にあります。さらに、その優れた演奏技術によって誰の耳にも分かるように示して見せたことです。

「合奏協奏曲」とは、独奏楽器群(コンチェルティーノ)とオーケストラの総奏(リピエーノ)に分かれ、2群が交代しながら演奏する音楽形式です。

コレッリの「合奏協奏曲」は弦楽アンサンブルで演奏されます。
独奏部分を受け持つ「コンチェルティーノ」は2本のヴァイオリンと1本のチェロによって構成されるるのが基本です。

つまり、コレッリによってヴァイオリン属はついに独奏楽器としての地位を確立したのです。

この形式はヘンデルによってさらに拡大され、「リピエーノ」に管楽器が導入されることでより華やかさを増していきます。
比べてみれば、弦楽器だけで演奏されるコレッリの作品にはヘンデルやバッハのような華やかさにはかけますが、弦楽器特有の横へ流れていく旋律線の美しさは群を抜いています。
それは、12曲の合奏協奏曲の中でもっとも有名な第8番「クリスマス協奏曲」だけの特徴ではありません。弦楽器アンサンブルが作り出す優美で、時にはメランコリックな旋律線の美しさは全12曲にあふれています。

この時をもって、ヴァイオリンは「楽器の女王」としての道を進み始めることになるのです。
そして、ヴィヴァルディによってこの形式はさらに進化させられ、一人の独奏楽器の奏者がオーケストラの総奏と対峙する「独奏協奏曲」という形式に発展していくことで、ヴァイオリンは「楽器の女王」としての地位を不動のものにしていくのですが、それは次回の話になります。

ソチエタ・コレルリ合奏団 1952年録音

コレッリやヴィヴァルディなどのバロック音楽を広く世に知らしめたのはイ・ムジチ合奏団でした。彼らが1958年から1959年にかけて録音したヴィヴァルディの「四季」はクラシック音楽の世界では異例とも言うべきミリオン・セラーとなりました。
彼らの演奏の特徴は分厚くて豊満な弦楽器の美しさを存分に生かした、艶やかで、官能性をたたえた歌いまわしの素晴らしさにあります。

しかしながら、ここで紹介しているソチエタ・コレルリ合奏団は、そのような演奏とは真逆の位置にあります。
彼らはイ・ムジチ合奏団よりも早い1951年に結成され、その活動はわずか10年ほどで終了してしまいます。

彼らの演奏には聞き手に媚びる甘さは何処を探しても存在しません。
あるのは、スコアだけを頼りに、作品が持つ本質に真摯に迫ろうとする気迫だけです。

しかし、残念なことに、この厳しさは多くの聞き手から好意を持って受け入れられることはなかったようです。この時代の聞き手が音楽に求めたのはイ・ムジチの「甘さ」であり、その様な「甘さ」に背を向けた彼らは10年で活動を終えざるを得なかったのです。
そして、バロック音楽からそう言う甘さを払拭するためにはピリオド楽器によるムーブメントを待つしかなかったのですが、それもまた後の話となります。

7件のコメント

  1. 最初期のヴァイオリンって、本当に今の物と同じですね!凄いというか、神秘的と言うか・・・いい物を見させて頂きました。 ユングさん、コレッリと来ましたか!! 間違いなく彼は一流の大作曲家で、残された少ない作品だけで、一流の仲間入りをしてしまった、ちょっとずるい人です。どの曲を聴いても、まず、最高の完璧な音楽です。この時代の作曲家たちって、ヘンデル・バッハまで含めて、凄くレヴェルが高いんですよ・・・。このサイトのファンの方たちも是非暇を見つけて、聴きこんでみてはいかがでしょうか!!! そう、ヴィヴァルディも、四季という看板背負ったために、軽薄扱いされてますけれど、オペラとかも凄いんです。器楽にもいいものがあります。あと、テーレマンとかラモーとかも一流どころです。息子のスカルラッティも・・・。

    1. コレッリという人は有力なパトロンに恵まれていて、あくせくと稼ぐ必要が全くなかったようですね。ですから、作品も練りに練って、本当に満足できるものだけを公開したようです。
      彼の作品数が少なくて、それに反比例するように完成度が高いのはそのあたりの事情が大きいようです。

      興業屋として自転車操業を続けたあげくに野垂れ死んじゃったヴィヴァルディとは対照的な人生だったようです。

      ただ、こうやって書き始めてみると、最初にノミネートした50曲とは随分とずれてきてしまっていますね。

      ピアに関して言えば、スカルラッティとシューマン、ムソルグスキーは削除してモーツァルトとプロコフィエフを入れました。残ったのはベートーベン・ショパン・リストなので半分も入れ替わってしまっています。

      それは、裏返せば、「クラシック音楽の歴史」が本当の意味でよく理解出来ていなかったということを教えてくれます。
      図書館に足繁く通ったり、古本屋さんにネットで注文したりと、あれこれの資料を読み込んでいくと今まで見えていなかったことに気づかされ、その結果としてノミネートすべき作品も変わってきています。

      ヴァイオリンに関しては、以下の3作品ははずせないなと思っています。

      1. ヴィヴァルディ:四季(「独奏協奏曲」という形式を生み出した)
      2. バッハ:無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第2番ニ短調 BWV1004(ヴァイオリンの可能性を極限まで追求)
      3. パガニーニ:24のカプリース(ヴァイオリンに革命)

      楽器としてのヴァイオリンの歴史はこれで十分かと思いますので、後はピアノとヴァイオリンがタッグを組んだヴィオリンソナタという形式を辿ることで「楽器の女王ヴァイオリン」の項は終わりたいと思っています。

      1. バロック期のヴァイオリン・ソナタは、UCCELLNI ウッチェリーニを聴くと、最初期のバロック・ヴァイオリン・ソナタの原形が聴けます。ただ、ゆっくりした部分と早い部分が、続くだけの、今から聞けば退屈な作品かもしれません。
        でも最初期のバロック・ヴァイオリン・ソナタを聴くなら、アンドルー・マンゼのバロック・ヴァイオリン・ソナタのCDを聴くとよいと思います。
        レーベルは、harumonia mundi FRANCE です。番号は、HMU907196で、ROMANESCAでマンゼは弾いています。

        コンチェルト・グロッソ(合奏協奏曲)の原形である、トリオ・ソナタの初期の形は、チーマの作品が、よくわかります。GIVANNI PAOLO CIMAの作品で、Concerti Ecclesiastici(1610)。
        Musica Figurataという団体です。レーベルは、DYNAMICです。
        番号は、CDS 212です。

      2. ご存知かもしれませんが、ヴィヴァルディの四季は、作品番号8の12曲の最初の4曲目ですが、これより以前の、作品番号3「調和の幻想」では、すでに、ソロ・ヴァイオリンの協奏曲や2台のヴァイオリンのための協奏曲や4台のヴァイオリンの協奏曲が既にあります。この4台のヴァイオリンのための協奏曲を、
        J.S.バッハは、4台のチェンバロのための協奏曲に編曲しています。
        ソロ・ヴァイオリンのための協奏曲は、四季から始まったのではなく、もうこの時には、すでに確立されていました。
        一説によると、ソロ・ヴァイオリンのための協奏曲の最初期の作曲家は、トレッリだともいわれていますが、だれが、創始だと断定はできないようです。

  2. クラシックに興味を抱くようになりました。
    若い頃は聞く耳もなかったのに、年を重ねる事に心 なごませる曲が癒してくれます、、

  3. クリスマス協奏曲(合奏協奏曲 第8番ト短調)でしか知らなかったコレッリが、そんな偉大な作曲家とは知りませんでした。イ・ムジチ盤が甘いとあるので聞いてみましたが、カラヤン・ベルリンフィル盤はもっと甘いですよ。個人的には、コレッリより5歳下のトレッリが好みだったりします。

  4. 当時の1950年代には、一応、コレッリの楽譜的研究は、終わっており、それを、音にしたしかも、古楽器の羊腸弦(ガット弦)や古楽奏法のことは、当時の1950年代には、わかりませんでした。
    とにもかくにも、コレッリの作品6を音にした、はじめは、ソチエタ・コレッリといえるでしょう。
    戦後、イ・ムジチのモノラル録音による、ヴィヴァルディの作品8の12曲の作品8の第一番から第四番までが、四季の録音ですね。
    その後、ステレオ盤で、もう一度録音して、大ヒットとなりました。
    戦後の暗い世の中に、今までに聞いたことのない、バロック音楽というものの楽しさが、四季のブームに火をつけたのです。
    決して、ザッハリッヒな演奏が、ソチエタ・コレッリの目指すところではなく、まず楽譜どおりに録音して聴けたということが、肝心であって、コレッリのアニバーサリーの年に録音されたのが、この録音です。
    ならば、その後のモノラルのイ・ムジチの四季そして、ステレオの四季が、爆発的に売れましたが、ここで、ドイツ的ザッハリッヒな演奏は、その時と時を同じくして、ミュンヒンガーのシュトゥトガルト室内管弦楽団による、四季の録音も売れました。
    ということは、イ・ムジチの四季のようなイタリア的な解釈よりドイツ的なミュンヒンガー盤のほうも売れたのです。
    結局は、イタリア的とか禁欲的な四季とは、あまり関係なく、録音を買った人々は、バッハも入れそれ以前のバロック音楽、今まで聴いたことのない音楽に興味を示したのであって、あまりそうしたことには関係ないような気もします。
    実際に、古楽器による古楽奏法による、ウィーン・コンチェントゥス・ムジクスのアーノンクール盤が、1960年代に四季を録音したのが、オリジナル主義による、録音の原形だといえます。

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